Иоганн Себастьян Бах почитается во всём мире как величайший композитор, но мало кто знает, что Бах был ещё и первоклассным инженером, механиком, изобретателем, великолепно разбирался в акустике и математике.
Иоганн Себастьян Бах (1685–1750) за органом
Бах всегда настраивал свои музыкальные инструменты – органы, клавесины, клавикорды – самостоятельно, причём такая сложная операция, как настройка клавесина, отнимала у него не более 15 минут. В коллекции музыкальных инструментов Баха было два прекрасных лаутенверка, созданных по его собственным чертежам.
Лаутенверк, или лютневый клавесин – это инструмент, внешне похожий на клавесин или пианино, однако обладающий звуком лютни.
Вот описание одного из лаутенверков Баха:
«Автор этих строк видел и слышал в Лейпциге около 1740 года «Лаутенклавицимбель», придуманный г-ном Иоганном Себастьяном Бахом и построенный г-ном Захарией Гильдебрандтом. Инструмент этот меньше обычного клавесина, но во всём прочем подобен оному. В нём установлено два хора жильных струн и так называемая малая октава медных струн. Обычно, при включении только первого регистра, инструмент звучит более похоже на теорбу, нежели на лютню. Однако если включить лютневый и корнетный (медный) регистры, звук этого инструмента способен обмануть даже профессионального лютниста.»
Блестящего музыканта и не менее блестящего механика Иоганна Себастьяна Баха постоянно приглашали в качестве эксперта высшей категории для оценки построенных заново или отремонтированных органов. Вот отрывок из документа, составленного и подписанного лично Бахом – это, выражаясь современным языком, «акт приёмки» нового органа в городе Галле:
«Что касается механизма нагнетания воздуха, то он состоит из 10 мехов, хотя строитель в контракте оговаривал всего 9 – однако решил, что quod superflua non noceant (лат. – «за излишнее усердие не наказывают»). Однако, хотя чётное число мехов и более удобно при оппозитном их расположении, измерение скорости потока жидкостным анемометром показало значение 32-33 градуса, хотя для органов такого размера требуется значение от 35 до 40. В результате нехватки давления инструмент звучит с изъянами, коих можно избежать, если играть только на оберверке (среднем мануале). Данный дефект считается весьма серьёзным.»
Бах был горячим сторонником введения равномерной темперации при настройке музыкальных инструментов – в тогдашней теории музыки это была, выражаясь современным языком, «новейшая технология», спорная и неоднозначная, имевшая как защитников, так и противников.
Предложенная старшим современником Баха Андреасом Веркмайстером равномерная темперация позволяла композитору свободно переходить из одной тональности в другую при игре за счёт снижения чистоты звучания интервалов. Понимая, что одной лишь математикой скептиков не убедить, Бах написал «в защиту» равномерной темперации одно из своих самых интересных сочинений – «Хорошо темперированный клавир» в двух томах.
Почитать отзывы о журнале «Лучик» можно здесь и здесь.
В сказке «Маленький Цахес по прозванию Циннобер» писателя Э.Гофмана в числе прочих героев присутствует добрый волшебник Проспер Альпанус. Он одет в золотой плащ, его карету везут два серебряных единорога, а когда карета едет, раздаются «чарующие, неземной красоты звуки, будто бы кто-то играет на басах гигантской стеклянной гармоники».
В наше время про стеклянную гармонику мало кто знает и помнит. Даже в московском музее музыки на улице Фадеева (коллекция там просто богатейшая, если ни разу не были, обязательно сходите), к сожалению, нет ни одного экземпляра этого музыкального инструмента.
В 1761 году американский учёный и изобретатель Бенджамин Франклин (тот самый, портрет которого можно увидеть на банкноте в 100 долларов США) изготовил 37 больших стеклянных бокалов-колокольчиков, каждый из которых издавал свою собственную ноту. Затем он аккуратно просверлил в этих бокалах отверстия и усадил бокалы на общую ось; ось приводилась во вращение механизмом с качающейся педалью (как старинная швейная машинка).
Бенджамин Франклин и его изобретение
Под бокалами Франклин установил ванночку, в которую налил смесь воды с уксусом; нижний край колокольчиков был погружен в жидкость, и, вращаясь они непрерывно смачивались. Касаясь пальцем края вращающегося колокольчика, исполнитель извлекал звук. Да какой! Сам изобретатель описывал его, как «несравненно сладкий и приятный, протяжный, превосходящий в этом отношении любые другие музыкальные инструменты; прижимая палец то сильнее, то слабее, можно добиваться непревзойдённой выразительности». Новый инструмент назвали «стеклянной гармоникой».
Композиторы того времени были просто в полном восторге от изобретения Франклина! Доницетти и Сен-Санс, Бетховен и Моцарт, Глинка и Чайковский – удивительный, ни на что не похожий, нежный, загадочный, потусторонний звук стеклянной гармоники пленил всех. Так что совсем неудивительно, что коляска Проспера Альпануса в сказке Гофмана издаёт звуки именно этого инструмента! Михаил Глинка использовал стеклянную гармонику для изображения чудес колдуна Черномора в опере «Руслан и Людмила», Пётр Чайковский – для танца Феи Конфет (Феи Драже) в балете «Щелкунчик».
Но куда же исчез этот чудесный инструмент и почему? Вот тут начинается загадочная история.
Буквально через несколько лет после изобретения и начала распространения стеклянной гармоники начали появляться статьи, в которых авторы уверяли, что невообразимо сладкий звук этого инструмента... сильно действует на психику и даже способен свести с ума! Многие врачи всерьёз утверждали, что звучание стеклянных колокольчиков способно довести до сильнейшей депрессии, «чёрной меланхолии» и даже самоубийства! Приводили десятки случаев, когда молодые и полные сил музыканты умирали от страшной тоски, даже перед смертью умоляя, чтобы им ещё хотя бы раз дали сыграть на любимой стеклянной гармонике...
Ещё больше мистики вокруг стеклянной гармоники добавил знаменитый врач и гипнотизёр того времени – Франц Месмер. Этот чудо-доктор утверждал, что с помощью магнитов, «магнитной воды» и особенного «внутреннего магнетизма» может исцелять любые болезни. Свои «магнетические» сеансы он всегда сопровождал игрой на стеклянной гармонике. Бьющиеся в истерике и кривляющиеся под «потусторонние» звуки гармоники пациенты Месмера (современные исследователи говорят, что это было самовнушение или массовый гипноз) добавляли загадочности, таинственности и мрачности – в общем, общественное мнение довольно скоро обратилось против «проклятого» музыкального инструмента.
Сеанс "месмеризма". Карикатура
Стеклянная гармоника была забыта. Партии стеклянной гармоники в операх стали исполнять на совершенно другом инструменте – челесте.
Что же говорит на этот счёт современная наука? Способна ли стеклянная гармоника воздействовать на психику? Действительно ли её чарующий звук смертельно опасен?
Во-первых, исследования показали, что основные обертоны стеклянной гармоники лежат в области частот от 1 до 4 килогерц – а это очень специфическая «звуковая зона». Звуки с частотой выше 4 килогерц наш мозг довольно легко локализует (то есть определяет направление, откуда пришёл звук), сравнивая громкость их звучания на правом и левом ухе. Звуки с частотой ниже 1 килогерца человек так же способен хорошо локализовать в пространстве за счёт разницы в фазе. А вот звук стеклянной гармоники попал в тот самый диапазон, который наш мозг воспринимает, но «не понимает, откуда»! Кажется, что звучание идёт отовсюду, что звучит не инструмент, а как бы сам воздух – естественно, у эмоциональных людей это вызывало восторг, смешанный с растерянностью; а у психически нездоровых такое действительно могло спровоцировать нервный припадок.
Во-вторых, для облегчения игры на стеклянной гармонике Франклин пометил колокольчики краской – а в те годы краски делались преимущественно на основе оксидов и солей свинца. Руки музыканта постоянно контактировали со свинцовой краской – и яд (а свинец – это самый настоящий яд!) медленно, но неизбежно скапливался в организме. В итоге музыкант действительно мог получить медленное отравление свинцом, со всеми вытекающими отсюда симптомами – анемией, головной болью, депрессией, потерей аппетита, проблемами с памятью, бессонницей и даже сильнейшими нервными припадками. Постоянное вдыхание музыкантом паров уксуса (уксусной кислоты) из ванночки также могло сыграть определённую роль. В общем, виновата была не стеклянная гармоника, а использовавшиеся в то время материалы.
Современные музыкальные энтузиасты пытаются возродить искусство игры на стеклянной гармонике и реабилитировать незаслуженно оболганный инструмент. В наше время для разметки стеклянных колокольчиков гармоники применяются совершенно безопасные синтетические краски, а также стекло с высокой способностью к смачиванию – чтобы инструмент зазвучал, достаточно просто окунуть пальцы в чашку с обычной водой. Для вращения колокольчиков вместо педального привода используется бесшумный электромотор.
Послушайте, как звучит «Танец Феи Драже» Чайковского, сыгранный именно на том инструменте, для которого композитор сочинил это произведение.
...и пять ошибок, которые важно при этом не допустить.
Для чего учиться играть на музыкальном инструменте, если не собираешься быть музыкантом? Зачем ходить в музыкальную школу? Времени и сил уходит много, а какой прок? Выступить на школьном концерте пару раз в году?
Наблюдения и исследования учёных показывают, что в процессе занятий музыкой развиваются важнейшие эмоциональные, интеллектуальные и социальные навыки, способные помочь добиться успеха в совершенно немузыкальных областях.
1. Развитие памяти
Обучение музыке – фантастическая тренировка для мозга, объединяющая в единое целое зрительную, слуховую и двигательную память. Врачи и психологи доказали, что дети, обучающиеся игре на музыкальных инструментах, воспринимают и запоминают информацию лучше «обыкновенных» сверстников.
2. Улучшенная координация движений
Наблюдения учёных показывают, что дети, обучающиеся игре на музыкальных инструментах, обладают намного лучшей координацией движений. Они быстрее обучаются плаванию, езде на велосипеде, работе с механизмами и приборами – их мозг «натренирован» обрабатывать нервные связи типа «глаз – рука» намного быстрее.
3. Улучшенные математические способности
Одна из основ музыки – это ритмика, умение разделять временные «импульсы» на составные части. Поэтому дети, которые обучаются игре на музыкальных инструментах, естественным образом развивают свои математические навыки. Такие непростые операции, как счёт, деление или сложение дробей дети-музыканты воспринимают легко и быстро.
4. Более развитая техника чтения и понимания текста
Игра на музыкальном инструменте – это постоянное чтение и восприятие текста (ноты, табулатуры, аккордовые последовательности). Ребёнок постоянно распознаёт в тексте ноты, выделяет и обрабатывает информацию о том, какие у этой ноты должны быть длительность, высота, громкость. В результате дети, обучающиеся игре на музыкальных инструментах, в школе показывают в среднем лучшие результаты на уроках языка и литературы.
5. Улучшение восприятия речи
При обучении игре на музыкальном инструменте ребёнок учится внимательно слушать и различать различные аспекты звучания – интонацию, громкость, тембр, ритмику. Умение концентрироваться во время слушания существенно улучшает восприятие ребёнком человеческой речи, понимание смысла сказанного и запоминание.
Каких ошибок следует избегать при обучении ребёнка музыке?
1. Ошибка цели
«Ты будешь учиться музыке» – очень неудачная мотивация. Музыка огромна, музыке люди учатся всю свою жизнь. «Учиться музыке» – звучно, но для ребёнка малопонятно. Ставьте простые и понятные цели: «Давай научимся играть вот эту песенку на пианино!».
2. Ошибка времени
Начинать учиться музыке нужно как можно раньше. Начинать учиться музыке в возрасте «прощания с детством» (10-12 лет) будет очень тяжело – в это время ребята активно отвергают всё детское, «малышачье», в том числе и музыку. Учить что-то «серьёзное» и «крутое» с нуля не получится, а учить «Во поле берёзка стояла» и «Во саду ли, в огороде» 11-летний ребёнок может наотрез отказаться.
3. Ошибка предмета
Никогда не пытайтесь выбрать музыкальный инструмент за ребёнка. Если ему хочется учиться играть на гитаре – не отдавайте его в класс фортепиано. Если ребёнок хочет учиться на нескольких инструментах сразу – дайте ему попробовать; скорее всего он поймёт, что это тяжело, и сделает выбор самостоятельно.
4. Ошибка средства
Технические упражнения (гаммы, арпеджио, этюды и так далее) не должны отнимать больше 20% времени занятий. Упор делайте на те песни и пьесы, которые ребёнок хорошо знает и любит – например, на песни из мультфильмов. Бесконечные гаммы – гарантированный способ навсегда заставить ребёнка разлюбить музыку.
5. Ошибка оценки
Никогда не оценивайте занятия ребёнка по затраченному времени («занимался 40 минут», «занимался 2 часа» и т. д.). Ставьте чёткие цели – «выучим вот это место в песенке» и оценивайте только результат – «получилось» или «не получилось». Если «получилось» за 10 минут – смело отпускайте ребёнка гулять. Если долго «не получается» – упрощайте поставленную задачу.
Прочесть отзывы читателей о журнале "Лучик" можно здесь и здесь.
Как дети слышат и воспринимают речь? Совершенно не так, как взрослые. Взрослый, услышав незнакомое слово, обычно уточняет – что это такое. Однако у детей словарный запас ещё очень мал, а незнакомых слов вокруг сотни и тысячи – разве найдёшь время спрашивать про каждое? Так что большинство непонятных слов дети помещают в свой словарь «на ходу», а значения попросту угадывают или додумывают сами, по мере фантазии.
Очень часто незнакомые слова как бы сами собой превращаются у ребёнка в знакомые. Например, СССР, ноябрь,1982 год. Девочка спрашивает у папы: «Что такое траулер?» Папа объясняет: рыболовецкое судно со специальной сетью – тралом и холодильной установкой для заморозки выловленной рыбы... Девочка несколько секунд напряжённо думает. Потом спрашивает: «А почему, из-за того, что Леонид Ильич Брежнев умер, объявили траулер?»
Мы решили составить свой небольшой список «недослышанных» взрослых песен с их «переводом на детский язык» – однако наверняка вы вспомните, что ещё можно туда добавить...
🔸А. Островский, З. Петрова, «Спят усталые игрушки», 1964
Многие мальчики и девочки были убеждены, что на свете есть некто или нечто под названием «Деня пять». Ну, как корабль «Восток два» или станция «Северный полюс один». Потому что каждый вечер слушали песенку «Баю, баю, завтра будет Деня пять». В более поздних записях, кстати, вокалист между словами «день» и «опять» стал давать микропаузу. Не иначе, по подсказке педагогов.
🔸А. Пахмутова, Н. Добронравов, «Надежда», 1971
Не знаю как у вас, а у нас в детском саду дети дружно пели «Надежда – мой конь подземно́й». Такой вот сказочный конь, как Сивка-Бурка, вещая каурка, раз! – и появляется из-под земли. А если кто говорил что надо не «подземнóй» а «подзéмный», отвечали, что «в песенках так можно» [оригинал: «надежда, мой компас земной»].
🔸Д. Тухманов, Р. Рождественский, «Мы – дети Галактики», 1978
Песня была очень красивая сама по себе, а мамы и бабушки от красавца Льва Лещенко просто таяли. Дети пели следом за мамами и бабушками, но по-своему. Вариантов было два «Мы дети-халатики» и «Мы – дети в халатиках». Про галактики нам никто не объяснял, а вот халатики (в детсаду и для уроков труда в началке) были постоянной частью гардероба.
🔸В. Высоцкий, «Он не вернулся из боя», 1969
Почти до самого школьного возраста я (и не только я) был убеждён, что в куплете поётся «Нам и время – стекло на обоях». Взрослые и в те давние времена обожали без конца обсуждать ремонт квартир, и про «обои» детям было намного понятнее [оригинал: «нам и время текло для обоих»].
🔸Ю. Антонов, Л. Фадеев, «Море, море», 1981
Когда песню распевает вся страна, дети в стороне никогда не останутся. Но вот слова припева у нас были такие: «Море, море, мир бездомный // Вермишели жёлтой нежной». Потому что по-другому было непонятно, а вот вермишель – это самое что ни на есть родное, с обеда, и цвет жёлтый без сомнения [оригинал: «...мир бездонный // Мерный шелест волн прибрежных»].
🔸«Шумел камыш» (народная)
Собиравшиеся на вечеринки взрослые и в те годы тоже любили петь – как и сейчас. Иногда под баян, но чаще просто так. Песня про «Шумелку-мышь» детям очень нравилась, и вообще весёлая Шумелка-мышь стала частью детского фольклора. Мальчик, вдруг решивший в творческом порыве погрохотать крышкой о пустое ведро, маме, влетающей в кухню в предынфарктном состоянии: «Мама!! Я – Шумелка-мышь!»
🔸А. Верестовский, Ф. Глинка, «Тройка», 1831
Вдогонку о взрослых вечеринках. Под тот же баян довольно часто пелась песня про «тройку почтову́ю», в которой было много непонятного – например «...вдоль по дорожке стал бовой». Но самой загадочной вещью в песне был «колокольчик Дарвалдая». Кто такой Дарвалдай – штука неясная, большинство во дворе склонялись к мнению, что это колдун типа Бабая, только из другой сказки. [В оригинале «колокольчик, дар Валдая».]
🔸И. Николаев, В. Сауткин, «Программа телепередач», 1986
А вот это уже из репертуара первых в жизни дискотек в летнем (тогда пионерском) лагере. Под припев «Нет, нет, нет, нет, мы хотим сегодня!» колбасились и вожатые, и дети. Правда, строчка «Девять часов, золотой ключик, коротко и страшный сюжет» меня сильно удивляла. Засыпая после дискотеки, я напряжённо думал, что же такого страшного в сюжете «Золотого ключика» [в оригинале: « короткометражный сюжет»].
🔸М. Дунаевский, Ю. Ряшенцев, «Песня мушкетёров» и др., 1978
Среди детских «переозвучек» песни из этого фильма занимают особое место. Тут и «Пол-клопа» («кукла Фа») вместо «пуркуа па, пуркуа па», и «Сутьбеню раз щипнём» вместо «судьбе не раз шепнём», но коронное – это, конечно, загадочная «красавица Икупко» (по другой версии – «красавица Икуку»). В конце концов, если в группе есть девочка по фамилии Хорошко и мальчик по фамилии Обабко, почему бы не быть красавице с фамилией Икупко?! [ в оригинале «красавице и кубку»].
🔸Группа Boney M, «Daddy cool», 1976
«Бони Эм» на магнитофоне у старшего брата – наше всё, ну а про что песни? Незнание английского языка, как известно, не освобождает от поиска смысла. «Ване! Жарит кур! Варвара жарит кур!» – истово голосила мелкота во дворах начала 80-х. [ оригинал: «Wild about daddy cool»].
А также почему музыкальные инструменты со временем только дорожают?
Музыкальный инструмент – штука довольно дорогая. Конечно, во все времена существовали совсем простые, стоящие сущие копейки музыкальные инструменты. Скажем, любой деревенский мальчишка старше пяти лет ещё лет 150 назад мог в два счёта вырезать свистульку или сделать дудочку. А уж какой-нибудь «ударный инструмент» типа кастаньет или духовой типа диджериду и делать не надо: нашел на берегу два камня или подобрал в лесу проеденный термитами пустой древесный ствол – вот и готово дело!
Игра на диджериду
Но, сами понимаете, много музыки на таких инструментах не сыграешь, слишком уж они примитивны. В лучшем случае у вас получится что-то типа музыки австралийских аборигенов. Любопытно, «прикольно», но... однообразно и быстро надоедает. На таких инструментах не сыграть ни Моцарта, ни современную танцевальную музыку, ни даже детсадовскую «Жили у бабуси».
А более сложные по конструкции музыкальные инструменты требуют и особых материалов, и много вложенного опыта и труда. Изготовить собственными руками скрипку или гитару намного сложнее, чем, скажем, табурет, стол или книжную полку! А потому стоимость «настоящих» музыкальных инструментов никогда не была маленькой. Ещё в глубокой древности мастера не стеснялись украшать арфы золотом, перламутром, полудрагоценными камнями – таковы, например, знаменитые арфы из Ура. Самая лучшая из них, так называемая «Арфа с головой быка», изготовленная около 2500 года до нашей эры, была жемчужиной Иракского музея – однако она погибла во время варварского «освобождения» Багдада американцами в 2003 году.
"Арфа с головой быка" (справа – фрагмент)
В XVII веке купить себе настоящую скрипку или гитару мог только весьма состоятельный человек! Скажем, скрипка «обычной работы» стоила 10-15 серебряных талеров, скрипка работы итальянского мастера (Страдивари или Гварнери) стоила уже около 400 талеров, а лучшие скрипки того времени (Амати, Штайнер) могли стоить свыше 1000 талеров. Много это или мало? Обычный рабочий в те времена зарабатывал около 8 талеров в год, священник – 20 талеров в год, мальчик-ученик – 1 талер в год. 10 талеров в год стоило обучение ребёнка в школе. Теперь понимаете насколько дорогим удовольствием была покупка скрипки?
А если мы возьмём музыкальный инструмент «попроще», «понароднее» – скажем, гармошку? А гармошка, оказывается, тоже стоила весьма дорого! Дерево, кожа для изготовления меха, металл для голосовых планочек, плюс работа мастера. Самая дрянная гармонь в России в конце XIX века на ярмарке стоила 3 рубля – по тем временам довольно неплохие деньги. Тогдашняя средняя зарплата рабочего на фабрике – около 20 рублей в месяц; хорошая же гармошка на той же ярмарке стоила 10-15 рублей! Не сказать, чтобы уж совсем-совсем дорого, то есть если есть сильное желание, то скопить денег и купить вполне можно – но ни в коем случае не дёшево, согласитесь.
Ближе к современности музыкальные инструменты стали доступнее, но... совсем ненамного! Скажем, знаменитый американский музыкант, исполнитель рок-н-ролла Джерри Ли Льюис родился в 1935 году в семье небогатого фермера. Когда стало ясно, что у мальчика большие способности к музыке, родители «напряглись» и купили ему пианино – но для этого им пришлось ни много ни мало заложить собственную ферму! Даже в наше время цены на новые «настоящие» (то есть не цифровые) пианино от именитого производителя начинаются где-то от 400 000 рублей, а уж хороший концертный рояль может стоить миллионы и десятки миллионов... Каждому ли это доступно?
Джерри Ли Льюис
Конечно, рояль – это инструмент элитный, из-за размеров его далеко не в каждую квартиру можно поставить. Безусловно, существуют намного более доступные музыкальные инструменты – те же гитары или балалайки. Однако даже простенькую ученическую гитару вы за 500 рублей не купите. И даже за 1000. Зайдите как-нибудь в музыкальный магазин и посмотрите. Копеечных ценников вы там не найдёте!
Вообще говоря, цены на музыкальные инструменты вызывают у некоторых сильное удивление. Скажем, гитара или скрипка мастеровой работы или хорошей фирмы с годами не становится дешевле – она дорожает! Мы с вами привыкли к тому, что «старые» вещи – скажем, игровые приставки, компьютеры, одежда, даже автомобили – с годами стремительно дешевеют. Скажем, купили мы новенькую автомашину в автосалоне за миллион рублей. Через 3-4 года вы сможете продать этот автомобиль в лучшем случае за полмиллиона. Ещё через 3-4 года будете очень рады, если его удастся продать за 200 тысяч рублей. А ещё лет через 5 будете просто счастливы, если его кто-то вывезет «на металлолом» за бесплатно. А что уж говорить о компьютерах или игровых приставках? Сколько денег вы готовы заплатить за компьютер, выпущенный 20 лет назад? Если только вы не директор музея древностей? Сто рублей? Двести?
А вот музыкальные инструменты – совсем другое дело. Скажем, синтезатор Yamaha DX7 был выпущен в 1983 году, почти 40 лет назад, и стоил 2000 долларов. Так вот – этот синтезатор пользуется у музыкантов спросом до сих пор, и на вторичном рынке стабильно стоит около 300 долларов, плюс-минус. И это – сделанный из пластмассы серийный цифровой синтезатор!
Синтезатор Yamaha DX7, 1983 г.
А если мы возьмём, например, электрогитары – тут цены и вовсе начинают расти! Электрогитара Fender Stratocaster, выпущенная в 1969 году и стоившая тогда около 300 долларов США, сейчас обойдётся вам от 5 до 10 тысяч долларов. Без шуток!
Fender Stratocaster, 1969 г.
А интересно, что станет с музыкальными инструментами дальше, «в будущем»? Все эксперты согласны с тем, что музыкальные инструменты будут и дальше дорожать. Это связано не только со сложностью производства, но и с удорожанием материалов. Ведь для подавляющего большинства «настоящих» (то есть акустических) музыкальных инструментов нужно дерево. Причём дерево строго определённых пород, исключительно высокого качества, выдержанное много лет. Скажем, древесина для изготовления качественных пианино и роялей должна быть выдержана не менее 25 лет! Иначе инструмент спустя какое-то время после покупки начнёт постоянно «капризничать», «терять звук», и к нему придётся чуть ли не каждый месяц вызывать настройщика. А запасы леса, особенно первоклассного леса, на нашей планете очень быстро «тают», к сожалению. Причём «возобновление ресурсов», то есть выращивание молодого леса вместо спиленного, в данном случае мало чем поможет. Для изготовления хороших музыкальных инструментов (в отличие, скажем, от мебели) необходима именно «старая» древесина!
Например, очень многие до сих пор спорят – отчего так замечательно звучат скрипки работы итальянских мастеров XVII века, тех же Страдивари или Гварнери?
Кто-то утверждает, что всё дело в секретных формулах лака, кто-то – что мастера использовали какие-то секретные грунты с вулканическим пеплом... А некоторые специалисты говорят, что на самом деле всё «элементарно, Ватсон»: Страдивари и Гварнери использовали мелкослойную ель из высокогорных лесов Италии, с возрастом 300-400 лет и выдержкой не менее нескольких десятков лет. Сейчас такой ели на Земле не осталось – её всю попросту спилили! «Срубил он нашу ёлочку под самый корешок» – вот и весь секрет...
Большинству людей Антонио Лучио Вивальди известен по знаменитым «Временам года» и нескольким благообразным портретам. Портреты врут – Вивальди был рыж и носат.
Автор карикатуры Пьер-Леоне Гецци не стремился вот что бы то ни стало исказить облик изображаемых людей, просто подчёркивал их наиболее характерные черты
Люблю появление ткани, Когда после двух или трёх, А четырёх задыханий Придёт выпрямительный вздох... Осип Мандельштам
Итак, Вивальди был рыж и носат, а кроме «Времён года» им написаны ещё 90 опер и 513 концертов. Это, кстати, четыреста часов музыки: каждый концерт длится в среднем двадцать минут, а опера – два с половиной часа. Попробуйте сочинить хотя бы минуту музыки – но такой, которую захотят слушать не только мама и бабушка...
Впрочем, дело в количестве сочинённого. Вивальди не просто писал концерты для солирующих инструментов с оркестром, он изобрёл этот жанр!
Попробуйте представить себе художника, который изобрёл бы... ну, например, портрет. Ни- кому до него не приходило в голову изображать лица людей – а он сел и придумал! Или вообразите писателя, который первым придумал бы сочинять детективы...
Лучик: В интернете написано, что жанр детектива изобретён Эдгаром Аланом По в 1841 году...
Ну нет! Ещё в XVIII веке, больше, чем за полвека до Эдгара По, у нас в России вовсю читали книжку о похождениях Ваньки Каина (историческая личность: сначала вор, а потом сыщик, следователь). Что это было, как не детективы? А в 1789 году, опять же за полвека до американца, русский писатель Михаил Дмитриевич Чулков написал рассказ «Горькая участь», в котором происходит расследование убийства. А «Рассказ о трёх яблоках» из сборника арабских сказок «Тысяча и одна ночь»? Самый настоящий детектив – за 800 лет до Эдгара По! Да что там арабы!..
Две с половиной тысячи лет назад, в Древней Греции, в трагедии Софокла «Царь Эдип» этот самый Эдип расследовал смерть своего отца Лайя, и выяснил, что виновник он сам. А Гамлет в трагедии Шекспира расследовал смерть отца...
Но мы отвлеклись. Поговорим лучше о концерте, об этой замечательной музыкальной форме. По-итальянски «concerto» значит «согласие», «гармония», а происходит это слово (внимание!) от латинского «concertare» – «состязание».
Состязание, противоборство превращается в согласие, гармонию, красоту. В этой истории слова содержится идея концерта. Вначале оркестр как бы « выслушивает» партию солирующей скрипки или виолончели, согласно аккомпанируя им (как бы кивает головой – «да, дорогая, да»), но потом начинает перебивать, «гнуть свою линию» – «дай теперь я скажу»!
Скрипка настаивает, но оркестр тоже упорствует! Тогда скрипка говорит: «Нет, погоди, так мы каши не сварим, мне надо успокоиться». Начинается вторая часть. Она всегда медленная спокойная, меланхоличная, грустная. Все отдыхают, собираются с мыслями и силами. И вот...
Третья часть! Здесь оркестр и солирующий инструмент ладят, они поддерживают друг друга, и настроение третьей части торжественное, жизнеутверждающее. Заканчивается третья часть мощным победительным аккордом...
Как это услышать? Найдите, например, концерт си минор для виолончели, струнных и чембало. Три части. 1. Allegro non molto. 2. Largo. 3. Allegro. Почему именно этот?
Антонио с рождения был астматиком. Бетховен начал глох- нуть под конец жизни, а Вивальди задыхался всегда. Когда слушаешь этот концерт, кажется, что чувствуешь, как вздымается его грудь. «Когда после двух или трёх...»
Вот как полностью называется эта запись: «А. Вивальди. Концерты для скрипки, виолончели, струнных и чембало. Наталья Гутман, виолончель, Олег Каган, скрипка. Ансамбль солистов академического симфонического оркестра Московской Государственной филармонии. Дирижёр Лев Маркиз».
Послушайте эту запись обязательно. Найдите в интернете, например, во «ВКонтакте» в разделе «Музыка». Это важно. Эта музыка учит думать. Послушайте раз, другой, третий – и вы почувствуете, поймёте, как это важно, когда «после двух или трёх, а то четырёх» попыток у тебя получается. И ты начинаешь слышать. И понимать. И приходит глубокий выпрямительный вдох. Глоток чистой радости.
Это была статья из апрельского номера журнала "Лучик", познакомиться с ним можно на этом видео:
Также в номере: загадки курганов. Что такое аналемма? Почему люди бывают правшами и левшами, а обезьяны нет? Откуда приходят духи – и как возникает религия? Большая игра!
Кристоф Виллибальд Глюк – выдающийся чешский (а может быть, немецкий, а может быть, австрийский) композитор. Знаете, чем он знаменит? Вот птица ласточка. Весной и летом она живёт у нас, в России, а осенью и зимой – в Африке. Какая это птица? Русская? Или африканская?
До сих пор у историков нет единого мнения – каким же был родной язык Глюка? Одни пишут, что это был чешский язык, другие пишут, что родным языком композитора всё-таки был немецкий. Кстати, на самом деле фамилия композитора – Клук, что по-чешски означает попросту «мальчик». Но поскольку в Священной Римской империи XVIII века немецкий язык был более популярным, было принято решение сменить её на немецкое «Глюк», что означает «удача, счастье».
Отец композитора служил лесничим и ловчим при дворе князя фон Лобковиц, и маленький Кристоф должен был унаследовать эту должность. Отец и слышать не хотел о карьере музыканта для сына и настойчиво учил его охоте, дрессировке охотничьих собак, выслеживанию дикого зверя, обращению с оружием и прочим лесным премудростям.
Маленький (ну, не такой уж маленький – исполнилось 13 лет) Кристоф Глюк, мечтавший о музыкальной карьере, в итоге сбежал из родного дома в Прагу (по другим книгам – в Вену, тут биографы композитора путаются), где довольно долго «работал» бродячим мальчиком-певцом, часто терпя голод и холод.
Тем не менее, в возрасте 17 лет Глюк неожиданно оказывается в числе студентов Пражского университета, где изучает математику и логику. К тому времени он уже умеет отлично играть на скрипке, виолончели и органе, а также пробует сочинять свои первые оперы.
В 1754 году Глюк переезжает в Вену и становится придворным капельмейстером. Кроме того, Глюк долгое время был учителем музыки у Марии-Антуанетты – сперва австрийской принцессы, а затем и королевы Франции. Под его руководством она научилась отлично играть на арфе, флейте и клавесине.
Увы, жизнь самой Марии-Антуанетты оборвалась трагично…
Но, конечно, не это прославило в веках имя Глюка. Дело в том, что Глюк… создал современную оперу. Именно он сделал оперу такой, какой мы можем её слушать сегодня.
В чём была суть реформ Глюка? До них опера представляла собой цепочку очень длинных, пышно разукрашенных арий с многочисленными повторами. Арии довольно грубо «склеивались» между собой короткими сухими речитативами. В итоге публика больше слушала пение, а не следила за сюжетом. Глюк впервые всецело «подчинил» музыку сценарию – «главное не виртуозность певцов, а драма, действие на сцене!». Он упростил арии, а речитативы, напротив, сделал музыкальными, с богатым оркестровым аккомпанементом. Учениками и идейными наследниками Глюка были Антонио Сальери, Луиджи Керубини, Гаспаре Спонтини, Гектор Берлиоз, Карл Мария Вебер, Рихард Вагнер и другие выдающиеся композиторы.
В 1770 году Глюк переезжает в Париж. Его новаторские идеи по реформе оперы встречают у одних музыкантов (и публики) искренний восторг, у других – глубокое возмущение. Вождём противников Глюка был итальянский композитор Никколо Пиччини – и какое-то время в Париже шла самая настоящая война «глюкистов» и «пиччинистов».
Глюк и Пиччини были друг с другом не знакомы, но друг друга ненавидели. Когда во время работы над оперой «Роланд» Глюк случайно узнал, что Пиччини сочиняет оперу на тот же самый сюжет, он в ярости порвал и сжёг все написанные ноты!
Никколо Пиччини
За свою жизнь Глюк написал почти 50 опер и множество других музыкальных произведений – однако в 1809 году случился страшный пожар, в котором погибло больше половины работ композитора, письма и другие ценные документы. Именно поэтому в биографии Глюка до сих пор сохранилось столько противоречий, загадок и «белых пятен».
А что же ласточка?
Ну, вы же видели у нас в России ласточкины гнёзда? И торчащие из гнёзд головки птенцов? А о чём это говорит?
О том, что, прежде чем очутиться в Африке, ласточка рождается – где?..
О чём эта музыка?
Было бы довольно глупо говорить о композиторе – и при этом не слушать его музыки.
Хватит и десяти секунд, чтобы понять и навсегда запомнить, кто такой Глюк, если вы сами или с помощью родителей найдёте и послушаете его «Мелодию для флейты»...
А знаете, о чём эта музыка? Ведь музыка никогда не звучит просто так, сама по себе. Она всегда пытается нам рассказать о чём-то… Вот только мы не всегда понимаем её.
Есть такое выражение – так принято говорить о животных: «Всё понимает, только сказать не может». А теперь представьте себе следующую ситуацию (наверняка вы видели подобное в фильмах, а может, и сами сталкивались с чем-то таким в жизни). Собака знает о чём-то важном. Например, о том, что кому-то нужна помощь, что кого-то надо спасать. Она бежит к людям и начинает их звать. Скулит, лает, отбегает в нужную сторону и возвращается, снова лает, поворачивая морду то к людям, то туда, куда нужно бежать…
Хозяин бы её сразу понял. Но тут люди «непривычные» к собакам, и они либо не обращают внимания, либо пожимают плечами: «Вот глупое животное»…
Вот примерно так и мы с музыкой. Кто её понимает, потому что знает её, разбирается в ней. А кто-то может «вообразить что угодно» или вовсе ничего не вообразить – отмахнуться и пройти мимо.
Когда слышите понравившуюся мелодию, не проходите мимо, старайтесь узнать – что это? Как называется, какой композитор написал? Как правило, красивая мелодия оказывается частью какого большого произведения: оперы или балета, симфонии, сюиты, концерта… Вам понравился фрагмент? Поинтересуйтесь «целым», послушайте.
А у оперы и балета есть такая штука – «либретто». Ну, то есть сюжет. Из либретто можно прямо понять, о чём музыка!
«Мелодия для флейты» Глюка – это фрагмент его оперы «Орфей и Эвридика». Знаете древнегреческий миф об Орфее и Эвридике?
Жил на свете великий музыкант по имени Орфей. Сам бог Аполлон научил его играть на лире! Даже деревья и камни заслушивались его музыкой. Орфей полюбил девушку по имени Эвридика. Они поженились, но их счастье длилось недолго: Эвридика умерла от укуса ядовитой змеи. Орфей отправляется вслед за ней в царство мёртвых.
Даже хищные звери становились смирными при звуках его музыки… (Художник Тадеуш Стыка. «Орфей»)
Его музыка очаровывает не только охраняющего вход туда чудовищного пса Цербера, но и самого бога подземного царства мёртвых – Аида. Аид разрешает Орфею забрать тень Эвридики из царства мёртвых. А это значит, что она снова будет жива! Но надо соблюсти одно условие: пока они не покинут царство мёртвых, Орфею нельзя взглянуть на неё...
Эдвард Джон Пойнтер, «Орфей и Эвридика»
Долго возвращаются Орфей с Эвридикой из царства мёртвых. Ни разу не оглянулся Орфей. И вот они почти у цели… Скоро, скоро, выйдут они из мира теней на солнечный свет, и Эвридика снова будет жива! Но…
Тут надо сказать, что у этой истории, как у всякого древнего мифа, есть множество вариантов. То ли Орфею стало казаться, что он возвращается один, никого за собой не ведёт – и неудивительно, ведь тень Эвридики бестелесна! То ли Эвридика стала жаловаться, что Орфей разлюбил её, раз на неё не смотрит, и сердце Орфея не выдержало, и он оглянулся…
Эвридика умоляет Орфея взглянут на неё (Художник Фредерик Лейтон)
Так или иначе, но Орфей взглянул на Эвридику и она тут же упала замертво. И уже ничто не могло вернуть её из царства мёртвых. Даже воля Аида.
О чём эта история? Как думаете, друзья, чему она нас учит? Подумайте, обсудите это с родителями, а мы продолжим.
Орфей всё-таки обернулся! Он взглянул на Эвридику! (Художник Эдуард Каспаридэс)
Мелодия для флейты звучит во втором действии оперы во время балетного номера «Танец блаженных теней». В царстве мёртвых Орфея встречают эринии, или фурии – злобные духи мести. (Древние греки называли их эриниями, а древние римляне – фуриями; в опере использовано римское название.) Они исполняют яростный танец, напоминающий ураган!..
Но Орфей минует фурий и попадает в Элизиум – место обитания праведных, блаженных теней, «древнегреческий рай». Здесь находится тень Эвридики…
И вот во время танца блаженных теней и звучит мелодия, изначально написанная Глюком для флейты…
Морис Дени, «Орфей и Эвридика». Наверное так выглядел Элизиум…
Вот о чём эта музыка, друзья.
Но что же было дальше с Орфеем? Глюк и автор либретто оперы Раньери де Кальцабиджи пожалели и Орфея и слушателей. В финале появляется бог любви Амур. Он совершает то, что было неподвластно богу загробного мира, – оживляет Эвридику.
Это была статья из мартовского номера журнала "Лучик", познакомиться с которым можно в этом видео:
Журнал "Лучик" (для детей школьного возраста, их родителей и учителей) можно приобрести на Wildberries или в "Озоне".
Странно – как можно открыть вселенную? Она же есть и всегда была! Но всегда ли мы знали об этом? Возможно, вы удивитесь, но нет! О вселенной люди узнали совсем недавно...
Французский астроном Шарль Мессье был неутомимым охотником за кометами. Кометы были его главной страстью. Но – вот незадача! – в объектив его телескопа то и дело попадали какие-то странные «туманные» объекты... Это были не кометы – кометы движутся, а эти объекты были неподвижными. Шарль Мессье даже составил специальный каталог, в который собирал такие вот неподвижные «туманности», мешающие заниматься поиском комет. Но что это были за туманности? Какова их природа?
Шарль Мессье (1730–1817) и обнаруженные им «туманности»
Мессье это не интересовало, но вот другие астрономы задумались...
Не стоит думать, что происходило это дело в каком-то там «каменном веке». Напротив, тогда уже умели строить очень большие (даже по современным меркам!) телескопы с прекрасной оптикой. И астрономия в те годы была уже наукой весьма точной и серьёзной...
В середине XIX века астрономам на помощь пришли такие мощные средства, как спектрография и фотография, а «туманные пятна» так и оставались туманными пятнами.
Как тогда рассуждали учёные?
1. В небе мы даже невооружённым глазом отлично видим туманную полосу Млечного Пути. В телескоп Млечный Путь рассыпается на миллионы мелких звёздочек. Но возможно ли, что туманности из каталога Мессье, такие как туманность Андромеды, – тоже скопления звёзд? Нет! Потому что ни в какой, даже в самый мощный телескоп, эти туманности на звёзды не распадаются. А значит, мы имеем дело с облаками – скорее всего, облаками светящегося газа.
2. В самые мощные телескопы нашего времени (например, в «Левиафан» Лорда Росса) довольно неплохо видно, что некоторые туманности строением напоминают закрученную спираль. Как можно объяснить такую странную форму газового облака? Скорее всего, это иллюзия, оптический обман. Скажем, даже простой изогнутый кусок проволоки в разных проекциях может давать весьма причудливые формы. Именно этим и объясняется кажущаяся «спиральность» туманностей.
3. В спектроскоп при наблюдении туманностей явно видна спектральная линия, не принадлежащая ни одному из известных нам химических элементов. Поэтому туманности наверняка содержат неизвестный нам газ – «небулий» (от латинского слова «небула», то есть «туманность»).
4. Какого размера эти облака? Они огромные – наверняка не меньше, чем наша Солнечная Система, а вполне возможно, даже больше. Скажем, туманность Андромеды. Если предположить, что она расположена от нас на расстоянии примерно 200 тысяч астрономических единиц (то есть приблизительно 3,2 световых года), то размеры этой туманности в 6 миллионов раз больше нашего Солнца!
Обратите внимание: все эти рассуждения абсолютно научны и логичны. И именно эти рассуждения излагались и многократно перепечатывались в разного рода учебниках и толстых книгах по астрономии. До сих пор мы говорим: «Туманность Андромеды».
Для учёных того времени туманности были объектами, принадлежащими нашему Млечному Пути, да и собственно вся видимая Вселенная «упаковывалась» в Млечный Путь. Думать иначе казалось дикой ненаучной фантастикой! Галактика была только одна – наука знала это совершенно точно!
100-дюймовый телескоп Маунт Вилсон
Гром грянул в 1918 году, когда в США в обсерватории на горе Маунт Вилсон построили новый телескоп – рефлектор с главным зеркалом диаметром 2,6 метра. Молодой астроном Эдвин Хаббл занялся изучением тех самых туманностей, с которыми, казалось бы, «всё и так понятно». И новый мощный телескоп позволил «разбить» туманность Андромеды на крохотные звёзды! Более того, среди этих звёзд Хаббл смог обнаружить цефеиды – особые «пульсирующие» звёзды, позволяющие с хорошей точностью определить расстояние до объекта.
Эдвин Хаббл за работой
Полученные цифры сперва казались полным бредом – но означать могли только одно: наша Вселенная намного больше, чем наша Галактика. Туманность Андромеды – никакая не «туманность», а точно такая же содержащая сотни миллиардов звёзд галактика! До неё не 3.2 световых года, а 2 500 000 световых лет!
Туманность Андромеды, какой её видели 100 лет назад и какой мы видим её сегодня
Наша Галактика оказалась не единственной во Вселенной. А вступившие в строй в XX веке новые гигантские телескопы позволили нам понять, что галактик во Вселенной как минимум несколько триллионов...
В общем, «в итоге всё оказалось совершенно не так». Здесь стоит задаться вопросом: а насколько точны наши современные знания о Вселенной? Насколько они подробны и безошибочны?
Почему наша Галактика плоская? Как измеряют расстояния до звёзд? Почему Земля вращается? Как устроена бесконечность? Рассказывает журнал "Лучик".
