Будучи подростком Джованни Версаче помогал матери, которая работала в ателье. В 1972 году он уехал в поисках счастья в Милан, а в 1978 году уже открыл первый бутик своего имени.
Кристобаль Баленсиага Эйсагирре основал компанию в 1919 году и полностью перевернул мир женской одежды. Он создал такие знаковые вещи, как пальто-кокон, полуоблегающий костюм и платье с павлиньим хвостом. Одной из главных инноваций Кристобаля считают платья baby doll.
В нарядах Валентино Клементе Людовико Гаравани выходили замуж Жаклин Кеннеди-Онассис, Элизабет Тэйлор, Kортни Кокс, Дженнифер Лопес и Энн Хэтэуэй. Он открыл свой первый бутик в 1959 году.
Жан-Поль Готье не имея никакого художественного образования, нарисовал свою коллекцию и отправил её во все известные дома моды в Париже. Он произвёл впечатление на Пьера Кардена и в 1991 году открыл бренд своего имени.
Некто Кристиан Диор открыл дом моды своего имени, когда ему было уже за 50. Многие сомневались, что в таком возрасте можно добиться успеха в мире молодых и амбициозных. Он доказал, что успеху плевать на возраст.
Примерно та же история была и у Нины Риччи - она выпустила свою первую коллекцию, когда ей было 49 лет. Что интересно, она не делала никаких эскизов, она набрасывала ткань на манекен и с помощью булавок и ножниц создавала шедевры, благодаря отменному вкусу и чутью.
Пако Рабан был не только всемирно известным модельером и основателем дома высокой моды, но и писал книги. За свою жизнь он выпустил 8 книг, каждая из которых стала бестселлером.
Гуччио Гуччи работал в отеле, где проводила время знать того времени. Там он "нахватался" и пополнил список модельеров, которые вошли в этот бизнес уже в возрасте. В 1921 году ему было уже за 40 и впереди у него была мировая слава и признание именитых коллег.
Джорджо Армани для Италии гораздо больше чем известный модельер и основатель бренда - он разработал униформу для полиции, одежду для миланских водителей такси и даже изменил дизайн обложки Евангелия для Папы Римского. (На фото он).
Непревзойденные портреты Валентина Серова (1865-1911)- как зеркало, отражающее истинную личность героя полотна, в котором можно увидеть прошедшее, узнать настоящее и даже заглянуть будущее.
Серов никогда не считал себя придворным живописцем, тем не менее он создал несколько достойных портретов членов царской семьи. Но однажды, когда ему предложили создать очередной портрет русского императора Николая II, Серов ответил: "В этом доме я больше не работаю".. И для такого резкого ответа была причина.
Стать натурщиком для портретов Серова был большой риск, так как он был очень требователен как к себе, так и к модели. Его считали беспощадным художником: работал медленно и героям своих творений никогда не льстил, он просто изматывал портретируемых длительностью сеансов. А если ему не нравилась модель, он мог превратить портрет в завуалированный шарж, при этом заказчик об этом мог даже и не догадаться. А еще мастер мог просто-напросто отказать, не найдя ничего интересного в лице заказчика.
Но как бы там ни было "серовской кисти" вожделели очень многие, и вопреки всему знатные аристократы выстраивались к нему в очередь.
Портрет императора Александра III. (1895). Государственный музей-заповедник «Царское Село». Автор: Валентин Серов. Источник: https://kulturologia.ru.
Серов по манере своей живописи совсем не походил на придворного художника, в 1893 году получил заказ – написать портреты членов царского семейства.
Миша Романов
Михаил Александрович Романов (1878-1918) – великий князь, младший сын императора Александра III, брат императора Николая II. Про портрет сына отец сказал: «Мишенька как живой».
Портрет великой княжны Ольги Александровны в детстве. (1893). Государственный Русский музей. Автор: Валентин Серов.
Портрет Александра III в мундире датской Королевской лейб-гвардии (1899). Копенгаген. Дания.
Однажды, когда княгиня Юсупова начала нахваливать этот портрет Александра III, написанный Серовым, говоря, что это лучший из многочисленных портретов царя, тот не без озорства ответил, что просто остальные уж слишком плохи.
Весной 1900 года художник начал работать над портретом Николая II, только вступившего на престол, в форме шефа шотландских драгун.
А когда окончил, Серов предложил царю написать его "домашний портрет" для императрицы. Николай хоть и утомлен был позированием для первого портрета, все же согласился. После завершения полотна Александра Фёдоровна - великая государыня выразила свое мнение, указав художнику на неоконченные места в портрете мужа, которые нужно было подправить.
Серов, как ни в чем ни бывало, протянул ей палитру с красками и сказал: "Может, Вы сами поправите, Ваше императорское величество?". Обидевшись, императрица ушла, а царь промолчал.
А когда в начале 1902 года художнику предложили создать еще один портрет русского императора Серов ответил отказом: "В этом доме я больше не работаю." Все попытки императора вернуть расположение непокорного художника были тщетны. "Это была совершенно немыслимая реакция для любого русского художника, но для Серова она была естественной: всё, что он хотел сказать о царской семье, он уже сказал."
Вот он домашний портрет .
О том пресловутом портрете царя современники говаривали, что Серову удалось первым рассмотреть в монархе слабость.Мастер изобразил государя простым человеком, который задумавшись уже как бы предвидел все грядущие перемены в России.( видимо он давно уже знал … но это другая Истрия )
"Серов передал заурядность царя, его неспособность руководить огромной страной, даже растерянность его перед этой величайшей ответственностью, волей случая выпавшей на его долю. И царя становится по-человечески жаль, даже проникаешься сочувствием к этому маленькому человеку",- писали критики. Но одно можно сказать с уверенностью - царь не был мстительным человеком. Ибо ни унижение императрицы, ни отказы работать при дворе, ни карикатуры после расстрела демонстрации 1905 года сатирическом журнале "Жупел", не повлекли за собой никаких репрессий против Серова. Николай продолжал ценить Серова как живописца.
Карикатура на Николая Кровавого. (1905). Автор: Валентин Серов.
А репрессировать его вполне можно было и за политические взгляды и бунтарский дух.
В 1909 году в знак солидарности с художницей А.Голубкиной, обвиняемой царскими властями в неблагонадежности, Валентин Серов ушел с преподавательской должности училища живописи, ваяния и зодчества и отказался от почетного звания действительного члена Академии художеств.
Что является любопытным фактом, так это то, что его считали "своим" все враждующие между собой представители разных направлений в русской живописи начала 20 века. А Петров-Водкин, Кузнецов и Сарьян считали Серова своим главным наставником.
ве основные черты характера, которыми он резко отличался от всех окружающих, объясняют все его искусство: правдивость и любовь к простоте",- писал художник Игорь Грабарь.
Как известно, в оригинальной версии 1877 года все заканчивалось бурей и смертью обоих героев - Зигфрида и Одетты. На таком финале настаивал Чайковский.
В версии 1895 года финал был переделан. По факту, умирают там все трое - Ротбарт, принц и Одетта. Одетта сбрасывается со скалы, дабы избежать навечного превращения в лебедя, Зигфрид следует за ней. Смерть ради любви к Одетте губит и Ротбарта. Но сценография такова, что души героев спаслись и будут жить счастливо на небесах, говорит о счастливом финале.
У Агриппины Вагановой в 1933 году концовка была трагическая - Одетта гибла от выстрела охотника, а Зигфрид совершал суицид над ее хладным (или еще не совсем) трупом.
В версии Константина Сергеева, идущей в Мариинском театре (а также в некоторых других) оторванное крыло, из-за которого гибнет Ротбарт. Одетта и принц остаются в живых.
Лебединое озеро - это самый любимый спектакль Нуреева, но я хочу поразмышлять о лебедях. Ну нельзя обмазать всех только черной или белой краской. Так бывает только у лебедей из сказки о Лебедином озере (хотя строго говоря Одилия - не лебедь). Потому что при упоминании имени Рудольфа Нуреева у всех в голове с кем он был и от чего умер.
Но никто не говорит, что он -Открыл по сути русский балет для европейской публики, поставив на сцене Оперы Гарнье балеты в хореографии Петипа (добавив своей) -Переодел танцовщиков в те костюмы, которые теперь мы все ожидаем увидеть. -«Па-де-де - это танец двоих, но мы не можем рассказывать историю любви, когда танцовщик исполняет роль носильщика для балерины». Все мужские партии к балетам - это тоже Нуреев. -Свое первое «Лебединое озеро» Рудольф Нуреев поставил в Вене в 1964 году на себя и Марго Фонтейн. Премьерный спектакль попал в Книгу рекордов Гиннеса за наибольшее число поклонов: артистов вызывали за занавес 89 раз. С тех пор этот рекорд никем не побит. -Как и тот, что он был единственным за всю историю Вагановского училища, кто его окончил за три года. -он продлил карьеру Марго Фонтейн, которая хотела уходить со сцены. Но их союз был взаимовыгодным. Он учил ее русской балетной школе, заставлял соревноваться с собой в танце и всей душой отдавался партнерству. Фонтейн в свою очередь уравновешивала бешеный темперамент Нуреева и придавала его танцу английского аристократизма. -Полностью оплатил все лечение Марго Фонтейн, когда она болела раком. Она так и не узнала от кого эти деньги. --Не ругал СССР в своих воспоминаниях, напротив передавая деньги и помогая. Напротив, скучая... потому что он получил то, что бы никогда не получил, но и потерял то, чтобы мог никогда не потерять. Еще один пример... ему на выбор предлагали два кладбища - Монмартр и Монпарнас, но он сам выбирает Сен-Женивьев-де-Буа, и чтобы остаться на его территории - он крестится. -Ну и еще один интересный факт... на своем острове он строит бревенчатый дом, который по-русски называет «дачей». Его не понял никто из его друзей. Но каждый раз, когда он уезжал оттуда - ему казалось, что он приезжал в Россию. Я не оправдываю его побег, но по сути он жил жизнь «полную лжи», однажды ее начав.
«Поскольку дома мне запретили танцевать - а бросить танец я, естественно, не мог, - я был вынужден начать жизнь, полную лжи. Мне постоянно приходилось из обретать предлоги, чтобы ускользнуть из дома на репетиции и занятия танцем.»
Ну а потом, наверное дело в количестве солистов и извечной борьбе за место под солнцем. «Кировский театр дает всего пятнадцать представлений в месяц. Если учесть, что труппа включает пятнадцать солистов и двадцать первых танцовщиков (любой из нас имеет право на главную партию в балете), то понятно, что каждый артист выступает не часто - не более пяти раз в год. И вот ты занимаешься, репетируешь и ждешь - остается только мириться с таким удручающим положением вещей.» Он же хотел танцевать и танцевал... практически 300 спектаклей в год. Ах да, это тоже рекорд.
-А политики... ее не было... была лишь любовь к классическому танцу.
К чему я все это. Вопрос в нашем мироощущении... и мне хочется, чтобы при упоминании имени Нуреева вспоминали о его танце, о его двухметровом прыжке с места... а не о том с кем он был и от чего умер. А там глядишь, и времена изменятся.
«Но это же просто глупо! — закричал человек. — Оглянись! Здесь миллионы морских звезд, берег просто усеян ими. Твои попытки ничего не изменят! Мальчик поднял следующую морскую звезду, на мгновение задумался, бросил ее в море и сказал: — Нет, мои попытки изменят очень много… для этой звезды.»
«Композиция VII» является одним из центральных произведений Кандинского первой половины 1910-х годов, примером обретения творческой зрелости мастера. В это время художник достаточно хорошо осознал, что должен уйти от подражания природе и, в конечном счете, отказаться от фигуративности. Он чувствовал, что абстрактная форма может обладать качествами, которые способны выразить то, что недоступно традиционным приемам. Весь смысл творчества Кандинского переместился в выразительность линии и цветового пятна, не отягощенных никакой связью с предметным миром, восприятие такой живописи стало требовать активного участия фантазии, усиления интуитивного начала.
При построении «Композиции VII» художник не придумывал, не конструировал формы, а лишь направлял, корректировал то, что возникало в его воображении: «Все формы, когда бы то ни было мною употребленные, приходили ко мне "сами собою": они то становились перед глазами моими совершенно готовыми — мне оставалось их копировать, то они образовывались в счастливые часы уже в течение самой работы». Само понятие «композиция» означало для Кандинского высшую и наиболее сложную форму художественного произведения.
Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к «Композиции VII», от небольших набросков карандашом, рисунков пером и акварелей до живописных холстов размером свыше одного метра. Большинство из них исполнено осенью 1913 года. Художник разрабатывал в них как общий замысел произведения, его колорит, так и детали. Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что собственно процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней - с 25 по 28 ноября 1913 года.
Среди источников, предваряющих появление «Композиции VII», можно выделить целую группу более ранних – фигуративных – произведений Кандинского, объединенных темой Апокалипсиса. Едва угадываемые их отголоски, напоминающие трубящих ангелов, всадника, огненную колесницу Ильи-пророка, в «Композиции VII» создают ощущение происходящей на наших глазах трансформации материи.
Большой размер произведения предполагает своеобразное «погружение» внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения: «Живопись есть грохочущее столкновение различных миров, призванных путем борьбы и среди этой борьбы миров между собою создать новый мир, который зовется произведением. Каждое произведение возникает и технически так, как возник космос, - оно проходит путем катастроф, подобных хаотическому реву оркестра, выливающемуся, в конце концов, в симфонию, имя которой – музыка сфер. Создание произведения есть мироздание».
В галерее "Измайлово" в Москве проходит интересная выставка, где можно посмотреть на столицу из пластилина. Поражает удивительная работа над деталями. И от одного вида таких экспонатов веет теплотой. Душевная атмосфера. Сделал несколько кадров с выставки.
Эти чудеса из пластилина сделал Алексей Микулин. Нашёл его страницу в ВК. Там можно посмотреть больше работ. Если есть возможность, то можно сходить и посмотреть на них лично. Выставка работает до 23 марта.
Были в Москве, прошли Новую Третьяковку – и это было одновременно хождение за три моря, сказка странствий, хождение по мукам и все сразу путешествия Гулливера.
Я не пытаюсь шутить, это краткое путешествие бьёт под дых, такой мощи удара искусством по нервной системе я не ожидал. Даже с определённым музейным опытом.
Экспозиция "Искусство ХХ века" на 40 залов абсолютно бескомпромиссно тащит тебя лицом по всем эпохам, которые уместились в самый страшный и самый жадный век. Исторически крошечные, эти пересекающиеся эпохи были титанически глубоки.
Ты шагаешь по годам и царапина за царапиной, капля за каплей, мазок за мазком проникаешься. Реалистичным символизмом Петрова-Водкина, безумством и свободой Шагала, исканием Малевича, динамикой Дэйнеки, (а)симметрией Кандинского, узнаешь ещё два десятка раньше неизвестных имён.
И на тебя тонна за тонной наваливается груз прожитых ими жизней, вес усмирённого ими творчества, взятого в рамы, но выходящего за рамки. Красота и уродство мира, который они так старались запечатлеть – и лица, взгляды, фигуры и судьбы героев их картин.
Совокупная мощь красоты и истории – при полном осознании мимолётности, ограниченности и фрагментарности тебя.
Ты чувствуешь, что почти ничего не знаешь, слишком мало пожил и прожил, слишком юн и глуп, чтобы объять даже одно маленькое искусство одной страны в один век – натянутая звенящая неполноценность дрожит в пропасти распахнутой внутренней пустоты. Ты понимаешь, что пришёл с напёрстком вычерпать море.
Но море терпеливо. Оно подождёт, пока ты подрастёшь. Оно будет накатывать волнами и отступать в тающей пене, как миллионы лет до того. Ведь рано или поздно твоего ума хватит, чтобы объять и постичь всё, что нужно.
В общем, крутейшая экспозиция.
Портрет Дон Кихота "Сомнение" идеально отражает смятение от выставки живописи ХХ века.
А после отдыха мы пошли на выставку Васнецовых, и насколько же это была исцеляющая выставка, бальзам на душу. Все картины, знакомые с детства, предстали перед нами вживе. И они оказались ОГРОМНЫЕ. Я понятия не имел, что Три Богатыря, полет на ковре-самолете, Добрыня и камень, Аленушка, Иван-Царевич и серый волк такие громадные полотна. Сирин и Алконост размером примерно как полтора меня каждая не дадут соврать.
И это правильно, ведь эти картины как ожившие сказки, занимают в сердце людей нашего поколения место, которое трудно переоценить.
*
В Москве много потрясающих музеев. Например, днём раньше мы пытались за один раз пройти "Музей Востока". Наивные, это целые миры и эпохи, сконцентрированные в тематических экспозициях. Сломались на корейском этаже и ушли, но поклялись вернуться и пройти заново в два захода.
Спасибо музеям и музейным работникам. Вы храните и даете нам нечто настолько ценное, что ни в сказке сказать, ни пером описать.
А всем остальным простой и важный совет: ходите в музеи. Смотреть через окна на историческое и культурное прошлое – очень сильный опыт.
Когда то давно, у еще мало известного художника Пабло Пикассо был друг - ровесник, художник Карлос Касагемас. Они были практически неразлучны, и Пабло всеми силами поддерживал друга, страдавшего от неразделенной любви. Но закончилось все трагически: Карлос попытался застрелить девушку, которая не отвечала ему взаимностью, после чего покончил с собой.
После этого печального события в творчестве Пикассо начинается пронизанный тоской «голубой период». Художник до конца своих дней винил себя в смерти друга и считал, что мог предотвратить самоубийство Касагемаса.(
Так вот, Пабло Пикассо в начале 1900-х годов пишет свою работу - пожилого человека, перебирающего гитарные струны - одна из самых почитаемых работ его «Голубого» периода. Любопытно 👀 , что в 1998 году исследователи использовали инфракрасную камеру и обнаружили, что под ней находится ещё одна картина, на которой изображена женщина. 👩🏼
Теперь, когда краска поблекла, стало легче разглядеть лицо женщины над шеей старика. Но, к сожалению, так и не удалось установить личность этой таинственной особы, скрывающейся под изображением «Старого гитариста».
И еще интересный момент!
Существует мнение, что именно такое положение картины правильное. В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». ( после смерти друга ). Это видно по монохромности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.
